Le journal de papageno

Le baryton L'Oiseleur des Longchamps (que les lecteurs de ce journal commencent à bien connaître sans doute) me signale deux concert Bach / Haendel avec l'ensemble Euterpia prochainement à Paris. Voici les détails du programme:

• 11 février à 16h : Eglise Sainte Elizabeth 195 rue du Temple 75003
• 12 février à 12h30 : Temple Saint-Marcel 24 rue Pierre Nicole 75005

• Motets à la Vierge « Haec est Regina Virginum » hwv 235
• « Ah ! Che troppo ineguali hwv 230 » de G.F. Haendel
• Concerto pour hautbois de G.F. Haendel
• Cantate bwv 22 « Jesus nahm zu sich die Zwölfe » de J.S. Bach

• V. HOUSSEAU, soprano ; B. CUMMINGS, haute-contre ;
• S. BEHLOUL, ténor ; L'OISELEUR DES LONGSCHAMPS, basse
• T. OUDINOT, hautbois ; L. LALOUM & A. LAURENT, violons ;
• S. HENGEBEART, alto ;
• L. AUDUBERT, violoncelle ; S. BELIAH, contrebasse ;
• E. SEYRANIAN, clavecin.

Le quatuor Tana basé à Bruxelles et spécialisé dans la musique d'aujourd'hui vous invite les lecteurs parisiens de ce journal à braver le froid sibérien qui sévit sur la capitale pour venir écouter trois compositeurs aussi passionnants que peu connus :

• Ondrej Adámek "Lo Que No' Contamo"
• Raphaël Cendo "In vivo"
• Yann Robin "Crescent Scratches"

Peu connus mais présents sur Youtube grâce à la captation vidéo pour Arte Live Web d'un concert pour le festival d'Aix en Provence en juillet dernier (Robin, Cendo). Vous voilà prévenus, c'est du contemporain qui gratte un peu. Tout ça se passe au Temple protestant St Marcel (24 rue Pierre Nicole), et les infos pour réserver des places sont sur Facebook (soyons modernes)

Le programme de la 5e biennale de Quatuor à Cordes à la Cité de la Musique était fort alléchant: des ensembles très confirmés ou très prometteurs; une programmation inventive qui faisait honneur aux classiques du genre en restant ouverte à la modernité; un hommage à Wolfgang Rihm qui servait de fil rouge à l'ensemble de la semaine. N'ayant pu écouter que deux des 

A tout seigneur tout honneur, c'est au Quatuor Ardittti que revenait le privilège de créer le 13e quatuor de Rihm, jeudi 19 janvier. En un seul mouvement, il dure vingt bonnes minutes. Mes impressions à la première écoute: de bonnes idées, une grande maîtrise du discours mais quelques longueurs. Par moments ce quatuor me fait penser à Janacek, je ne sais pourquoi. Il est sans doute truffé de citations ou plutôt d'allusions comme souvent chez Rihm, mais ça n'est pas là que réside l'analogie. Les deux quatuors de Janacek déploient un lyrisme très tendu, au bord de la rupture; ceux de Rihm expriment plutôt un lyrisme désespéré, postérieur à la rupture, à travers une esthétique du fragment. Imaginez un homme qui vient de briser un objet précieux auquel il tenait beaucoup, et qui regarde les tessons d'un air hébété, incrédule.

Un mot sur les membres du Quatuor Arditti, dont c'était peut-être la centième création: en arrivant sur scène, Irvine Arditti avait le même sourire, le même enthousiasme que si c'était son premier concert. Les quatre musiciens ont joué ce 13e quatuor de Rihm avec autant de passion que de sérieux dans l'engagement. Et ce quatuor a été fort bien accueilli par le public, ce qui m'a fait penser que les préjugés sur la musique "contemporaine" étaient peut-être cela justement: des préjugés.

Ensuite ce sont les Ebène qui ont joué le 13e quatuor de Schubert et le 1er quatuor de Tchaïkovsky. Deux oeuvres de facture classique (forme sonate en 4 mouvements) mais très personnelles dans l'expression. Les mimiques de Pierre Colombet, premier violon, lorsqu'il joue, auraient quelques chose de comique si elles n'étaient pas le produit d'un état intérieur puissant et authentique. Cela fait vraiment plaisir à voir tellement il est immergé dans la musique, tellement il sait y plonger ses partenaires et le public. Et le résultat sonore est à la hauteur. Cependant je déplore l'acoustique assez sèche de cette salle des concerts qui laisse bien passer les violons en étouffant un peu les cordes graves, ce qui gâche un peu le plaisir.

Samedi 22 janvier c'est le Quatuor Hagen que j'ai pu écouter, dans un fort beau programme: Haydn (op 33 numéro 2), Bartok (numéro 4), Brahms (numéro 3), ainsi que deux pièces courtes de Wolfgang Rihm, Tristesse d'une étoile et Fetzen 2. Dans ce programme qui balaie presque trois siècles de répertoire, on serait bien en peine de prendre les Hagen en défaut: techniquement on frise la perfection absolue, musicalement cela parle autant aux sens qu'à l'intelligence. Dans ces conditions il n'y a plus qu'à se caler dans le fauteuil et à prendre son pied de la première à la dernière seconde du concert. Mention spéciale à l'altiste Veronika Hagen, dont les sonorités généreuses et tout en souplesses sont extrêmement séduisantes.

A voir et à écouter cette semaine à la cité de la musique dans le cadre de la cinquième biennale du Quatuor à Cordes, un concert pédagogique du très brillantQuatuor Béla, programme intitulé La musique sans Marteau et destiné à présenter la jeune musique au jeune public. Extrait du dossier de presse:

Nous commençons ce concert en jouant, sans explications préalables, un court extrait de In Vivo, de Raphaël Cendo. Pour jouer cette pièce nous devons entourer nos instruments de papier aluminium, ce qui a pour effet de produire un son métallique dont aucune note n'émerge vraiment, il s'agit plutôt d'une matière sonore dont on serait bien incapable de dire qu'elle est produite par un quatuor à cordes ! De plus comme son nom l'indique, c'est une musique très violente qui demande aux musiciens une sorte de déchaînement... autant dire que ce début est assez saisissant ! Nous nous adressons ensuite au public en posant la question suivante, qui est l'argument de tout le concert: « Comment en est-on arrivé à écrire une musique pareille... ? »

La pièce de Raphaël Cendo est visible et audible sur Youtube dans une performance assez époustouflante du quatuor Tana et comme nos fidèles lecteurs pourront le constater, ça n'est pas piqué des vers en effet:

Le programme de cette cinquième biennale est fort alléchant par ailleurs, avec des formations prestigieuses (les Kronos, Modigliani, Artémis, Diotima, Ebène, Borodine, ...) et un compositeur mis à l'honneur: Wolfgang Rihm qui a écrit pas moins de 13 quatuors à cordes, et qu'on considère outre-Rhin comme un des musiciens qui comptent dans l'Allemagne d'après Stockhausen.

Nos amis belges n'ont toujours pas de premier ministre (bien que les négociations avancent, paraît-il) mais il auront bientôt le plaisir d'écouter Hélène Grimaud (le 22 octobre prochain) à la Philarmonie de Liège, non avec le Philharmonique d'ailleurs mais avec l'Orchestre National de Belgique (qui accompagne entre autre les lauréats du célèbre concours reine Elisabeth). Elle se produira dans le premier concerto de Brahms, une valeur sûre à défaut d'être un choix particulièrement original. Le reste du programme l'est davantage avec la 3e symphonie d'Albert Roussel et une ouverture de Jacques Leduc.

J'avoue être un peu surpris lorsque la pianiste française affirme dans une interview vidéo qu'elle allait « à contre-courant » choisissant de jouer Brahms. Vraiment ? Comme anti-conformisme on a déjà vu plus forcené ! Je veux dire par là que Johannes Brahms, lorsqu'il joua lui-même ce concerto à Hanovre en janvier 1859, a de vrais risques par rapport aux goûts du public de l'époque: lequel public ne s'est pas privé de siffler copieusement cette musique jugée « incompréhensible ». Mais aujourd'hui, un siècle et demi plus tard, le moins qu'on puisse dire est que ce concerto est entré dans le répertoire. Il a été joué par des centaines, peut-être des milliers de pianistes dans le monde entier, enregistré en disque, diffusé à la radio, sans doute même utilisé dans des publicité pour déodorant industriel ou des musiques d'attente téléphonique... si ça n'est pas rentré dans l'oreille collective, tout ça, je veux bien qu'on m'appelle Engelbert (Humperdinck pour les intimes).

Madame Grimaud, je sais bien que vous avez mieux à faire que de lire des idioties dans les blogs, néanmoins un ami commun aura peut-être la gentillesse de vous transmettre ma demande. Je n'ai franchement aucun reproche à vous faire, tout ce que j'ai entendu de vous était impeccable: Brahms (les Intermezzi surtout), Bach, Beethoven... Je suis un peu mal à l'aise avec tous ces sites de fans qui montrent à gogo vos photos moitié intello moitié sexy, comme si votre toucher ne suffisait pas à séduire, mais j'imagine que vous êtes vous aussi un peu mal à l'aise devant cette starification même si elle vous est profitable professionnellement. 

Quoi qu'il en soit, la prochaine fois que vous viendrez à Liège, adoptez s'il vous plaît l'attitude de liberté et d'aventure qui y subsiste encore, presque 10 ans après la disparition d'Henri Pousseur. tonnez-nous ! Jouez des oeuvres peu connues, testez un peu la résistance de votre public avec les études de Ligeti ou la 3e sonate de Boulez, la résistance de votre piano avec les Klavierstück de Stockhausen; faites partager au public la délicate poésie des pièces de Kurtag ou celle, plus massive et affirmative, de Messiaen; je ne sais pas moi, faites-nous découvrir quelque jeune compositeur (ou compositrice) totalement inconnu; terminez par une impro si vous le souhaitez, essayez-vous au jazz ou au style manouche si ça vous fait envie. En un mot, démontrez-nous que vous êtes une musicienne et pas seulement une pianiste. Que vous êtes une artiste et pas seulement une représentante haut-de-gamme de ce qu'on produit maintenant en série dans tous les Conservatoires du monde (à ce propos, gare à la redoutable concurrence venue d'Asie...). Alors, chiche ?

Le mardi 7 juin 2011 à 20h, L'Oiseleur des Longchmaps chantera Beethoven (Folk Songs, Lieder) accompagné par Aya Okuyama sur un authentique pianoforte Broadwood de 1815. C'est à Paris, au temple protestant du Luxembourg, 58 rue Madame. Le programme comporte également une Sonate pour violoncelle et piano ainsi que la Sérénade pour flûte, violoncelle et piano (avec Louise Audubert et Marc Zuili).

J'ai pu échanger il y a quelques semaines avec Aya Okuyama au sujet des pianoforte qui sont une véritable passion pour elle. Avec un piano ancien, m'a-t-elle expliqué, on est obligé de vraiment chercher le son, d'aller au bout des ressources de l'instrument, et l'équilibre avec les chanteurs ou les instrumentistes qu'on accompagne se fait beaucoup plus naturellement. Avec un piano de concert moderne, on est contraint en revanche de sous-utiliser l'instrument car ces grands pianos sont conçus pour jouer des concertos (post-)romantiques dans des salles de deux mille places et rivaliser avec de grands orchestre plutôt que pour la musique de chambre et la mélodie.

L'acoustique vient d'ailleurs confirmer cette intuition. Les marteaux des pianos modernes sont en feutre, et leur dureté dépend de la force de l'attaque: si l'on joue très fort ils attaquent plus franchement la corde, ce qui modifie non seulement le volume mais aussi et surtout le timbre qui devient plus riche dans la partie aigüe du spectre, c'est à dire plus brillant, plus agressif, un peu plus inharmonique également. Si un pianiste adapte son toucher pour accompagner un chanteur dans une petite salle, il restera toujours dans les attaques assez douces, qui produisent un son plus "rond", plus sourd. Avec un instrument moins puissant, et a fortiori avec un pianoforte équipé de marteaux en cuir et non en feutre, il est possible d'obtenir des sons plus brillants, plus timbrés sans pour autant passer au-dessus de la partie vocale. On pourrait encore discuter de beaucoup de points techniques, comme la table d'harmonie, le cadre en métal, les cordes croisées, mais en deux mots comme en cent, en musique, lorsque le son change, tout change.

Les salles de concert avec orgue sont devenues rarissimes: depuis la revente de l'orgue du Studio 104 de la Maison de la Radio à Paris en 1997 (les orgues de la salle Pleyel, de la salle Gaveau, du Théâtre des Champs Elysées ayant disparu bien avant), il ne reste qu'un grand orgue dans une salle de concert à Paris, celui de l'Auditorium Maurice Ravel à Lyon (un magnifique instrument construit par Cavaillé-Coll). Et en Belgique, à ma connaissance, l'orgue de la philharmonie de Liège est également le seul du pays. C'est tout de même étrange de constater à quel point l'orgue, qui est l'un des instruments les plus anciens (on le trouve en Grèce antique), et par son utilisation par les cultes catholiques et protestants, l'un des plus répandus dans la tradition musicale occidentale, ait à ce point disparu des salles de concert.

Une bonne raison de ne pas bouder son plaisir en acceptant la gracieuse invitation de la Philharmonie de Liège à un concert d'orgue gratuit et de surcroît à un horaire fort pratique: midi trente. Une autre raison étant bien sûr de venir écouter le travail de mes camarades organistes et compositeurs du Conservatoire. A ce propos, la différence de culture entre la Belgique et la France est frappante: il est relativement courant d'entendre en Belgique des étudiants et des professionnels confirmés (comme ici Jean-Luc Thellin) se produire lors du même concert, alors que chez nous une véritable muraille de verre sépare les élèves et leurs professeurs.

Quelques mots sur l'instrument. Construit en 1889 à l'apogée de l'orgue romantique, il a été révisé tout récemment, en 2005 (vous trouverez plus de détails sur le site orgue & vitraux ou encore sur celui de la philharmonie). Dans sa version actuelle, il est muni d'une console mobile, d'un programmateur électronique, en somme de tout le confort moderne. Fini les tirettes qu'un acolyte pousse pour enclencher les jeux, et les accouplements mécaniques ! A la place de chaque jeu, une petite loupiote s'allume ou s'éteint, et il suffit d'une seule pression sur un bouton du programmateur pour changer tous les registres d'un coup. Les organistes tournent le dos au public, ce qui est un peu étrange mais permet de regarder le travail des mains et des pieds.

Nous commençons par une Fantaisie de Petr Eben, compositeur tchèque disparu tout récemment (en 2007).  Cette pièce me séduit et me donne l'envie de découvrir davantage ce musicien. Petr Eben connaissait bien l'orgue dont il jouait en virtuose. Dans cette Fantaisie écrite sur des thèmes liturgiques et vraisemblablement basée sur des improvisations, il utilise toutes les ressources de l'instrument pour donner une ampleur symphonique à ses variations. Cette musique vivante et colorée qui évoque Martinu ou Janacek s'écoute avec grand plaisir.

C'est ensuite Gauthier Bernard qui prend les commandes de l'orgue de la Philharmonie pour jouer d'abord une pièce de sa composition puis une autre de Sarah Wéry. Sans vouloir ranimer la guerre du feu entre les classes d'Écriture et de Composition, la succession des deux pièces illustre bien les forces et les faiblesses de chaque approche. La pièce de Gauthier Bernard est très bien maîtrisée du côté harmonie et contrepoint, mais également sur le plan instrumental (c'est l'avantage dont dispose l'interprète-compositeur). Cela dit, il fait sonner l'orgue de façon plutôt traditionnelle. La pièce de Sarah Wéry, par contraste, paraît plus personnelle bien qu'elle sous-utilise les possibilités de l'instrument et soit moins riche en contrepoint. On y trouve certains gestes comme cet arpège rapide et léger qui traverse tout un clavier qui sont assez peu dans la tradition des organistes et par là même tout à fait intéressants à écouter. C'est un peu délicat bien sûr de bloguer sur des pièces écrites par mes camarades: aussi tiens-je à rappeler que ce sont uniquement des impressions  subjectives que je livre, et qu'il y a des professeurs qui sont chargés de juger, de donner des conseils et de mettre une note (ou plutôt une "cote" comme on dit à Liège), ce que je me garderai bien de faire dans ce journal.

Le concert se poursuit avec les Alléluias sereins d'Olivier Messiaen, un pur moment de bonheur surtout pour un fan comme moi. Entendre la divine musique de Messiaen sans avoir à se geler les miches dans une église qui sonne mal et trop, c'est vraiment avoir un avant-goût du paradis.

Ensuite vient une pièce de Pascal Dusapin intitulée Memory. Censée être un Hommage crypté et monomodal à Ray Manzarek (musicien américain qui tenait les claviers pour le groupe The Doors), c'est surtout une pièce hautement soporifique et dont l'intérêt musical doit être crypté lui aussi car il m'a totalement échappé.

Pour terminer, nous entendons la Suite pour orgue de Stefan Pitz. Une série de pièces spectaculaires et virtuoses qui explorent non seulement les possibilités de l'orgue, mais aussi celles de l'orgue de la philharmonie en particulier. Parmi les techniques employées, le jeu vertical (sur plusieurs claviers avec une seule main) ou les changements de registration sur une note tenue (à part une sorte de claquement lorsque les tuyaux se mettent en vibration, cet effet-là ne produit d'ailleurs rien d'extraordinaire). De cette exploration tous azimuts, il ressort une gamme d'émotions et d'atmosphères très variées, un peu inégales car certaines parties fonctionnent mieux que d'autres. Bien qu'il y ait sans doute dans cette partition des éléments structurants, je n'ai guère trouvé à l'oreille de fil rouge musical ou émotionnel qui relierait les parties entre elles pour construire une narration. Il n'en reste pas moins que cette pièce est la plus audacieuse et la plus développée de ce que nous avons entendu ce jour. Et que les trois pièces présentées par les jeunes compositeurs étaient, chacune à sa façon, autrement plus stimulantes et réussies que la très décevante pièce de Dusapin.

Ouï à la philharmonie de Liège le 3 mars dernier, un concert de l'excellent Quatuor Danel donné dans le cadre du festival Ars Musica, avec la participation du centre Henri Pousseur (ex-CRFMW) pour l'électronique.

Tout d'abord nous entendons, de Pierre Bartholomée, Envol et mort d'un papillon. Comme son nom l'indique, ce quatuor de facture plutôt classique regarde du côté des (post-)impressionnistes (Debussy, Dutilleux). Je suis vraiment séduit par la beauté des lignes mélodiques, la polyphonie en apparence très libre – c'est à dire en réalité très bien contrôlée – et l'usage très subtil des timbres. On distingue assez bien les motifs que les musiciens reprennent et développent; l'harmonie ne s'interdit pas les accords consonants, mais échappe toujours aux formules cadentielles toutes faites. Les musiciens du quatuor Danel jouent chaque note comme si leur vie et celle de leurs camarades en dépendait: cette intensité de l'engagement produit un effet quasi hypnotique sur le public qui écoute avec autant de concentration que de plaisir. Ce quatuor qui se termine comme une question en suspens, pianissimo, par une double anacrouse non résolue, paraît trop court, comme d'autres oeuvres récentes de Bartholomée. On aimerait bien le ré-entendre en entier.

L'oeuvre qui suit paraît au contraire un peu longuette. En trois mouvements (quatuor seul / mixte / électronique seule) Quivering de Catherine Seba s'inspire autant de la musique du moyen-âge que du heavy trash gothic metal (enfin, ce genre de chose, je ne suis pas spécialiste). La compositrice paraît avoir oublié qu'entre le moyen-âge et la techno, dans la musique occidentale, durant une courte période de 500 ans, il s'est passé quelque chose de tout à fait spécial: l'invention de la polyphonie, qui permet à plusieurs lignes musicales de dialoguer au lieu de simplement se superposer ou se succéder. Et aussi celle de la modulation, qui permet de changer de couleur harmonique et de la variation, qui permet d'éviter l'ennui en conservant un sentiment d'unité. Vous l'aurez compris, l'écoulement assez linéaire et mono-dimensionnel de cette pièce m'a déçu et j'ai trouvé le temps long, spécialement dans la dernière partie où les quartettistes s'ennuient poliment pendant qu'on passe une bande composée de plusieurs « boucles » qui tournent en rond autour de 3 ou 4 notes.

Ce qui suit est plus excitant. Le identità fluide pour quatuor à cordes et électronique temps réel est de Lorenzo Pagliei, un élève de Lachenmann, et j'ai d'abord cru que c'était de Lachenmann à cause d'un inversion de l'ordre annoncé sur les programmes. C'est de la musique « bruitiste » ou le travail sur le son (et sur tous les modes exotiques de production du son: col legno, sul pont, verso pont, etc) est primordial. Il y a beaucoup d'idées, d'échanges entre les instruments, de contrastes. L'intégration de l'électronique et des instruments me paraît plus réussie que dans la pièce précédente. L'amplification permet à des effets qui d'ordinaire sont limités par leur très faible volume sonore (comme par exemple l'archet frotté verticalement le long d'une corde) d'interagir avec d'autres sons. Si j'ai pu être agacé par certains sons électroniques (dont une « sonnerie de téléphone » qui revient beaucoup), l'ensemble valait le coup d'oreille.

La pièce qui termine le concert est Gran Torso d'Helmutt Lachenmann. Elle date de 1972 et c'est de loin la plus ancienne de celles qu'on aura entendu ce soir-là. Le programme explique que ce « pionnier de la synthèse du post sérialisme et de la musique expérimentale » a inventé rien moins que la « musique concrète instrumentale ». En clair, cela consiste à utiliser toutes les manières possibles de produire des sons avec un violon et un archet, sauf bien sûr celle qu'on utilise habituellement. Archet frotté contre le bois de la caisse ou bien contre le cordier, pizzicatos violents et étouffés (de manière à ce qu'on n'entende que l'impact et pas la hauteur du son), archet écrasé (le son produit peut évoquer un cordage qui grince sur un bateau), jeu derrière le chevalet, percussion du bout métallique de l'archet contre la mentonnière... il faudrait une notice détaillée avec des schémas ou une vidéo pour expliquer tout cela. Beaucoup de sons sont très faibles, aux limites de l'inaudible. Des silences assez longs qui créent l'attente, la frustration ou l'exaspération, selon les auditeurs, et confèrent une étrangeté plus grande encore aux sons qui surgissent ensuite. Et le plus étonnant ? Ça sonne plutôt bien. C'est l'usage à contre-emploi des instruments élevé au rang d'art. Une sorte de caricature savamment travaillée de tout ce que les gens détestent en général dans la musique contemporaine. Je ne dirais pas que la musique de Lachenmann est vraiment plaisante à écouter, mais elle accroche l'oreille, et il faut bien reconnaître que beaucoup de compositeurs « bruitistes » font figures de gentils amateurs à côté de lui. Ça n'a pas tellement de sens de refaire du Lachenmann aujourd'hui (en moins bien), mais il faut bien reconnaître que les sons étranges qu'il utilise ont trouvé leur place dans la boîte à outils des compositeurs de ce début de XXIe siècle, à côté d'autres outils comme la musique sérielle, spectrale, ou électro-acoustique.

Ne terminons pas ce billet sans redire l'admiration que me cause l'interprétation du quatuor Danel dans tout ce programme, vraiment digne de tous les éloges pour la qualité et l'intensité de leur « jouer ensemble » au service de la musique. Bravo, messieurs, j'ai hâte de vous écouter à nouveau.

Relativement peu connu en France, Pierre Bartholomée a fait l'essentiel de sa carrière à Liège dont il a dirigé la Philharmonie pendant une vingtaine d'années. Il fait partie des compositeurs et chefs d'orchestre mis à l'honneur par cette même philharmonie qui célèbre cette année son cinquantième anniversaire, comme le rappelle l'actuel directeur, Jean-Pierre Rousseau dans sa présentation. En prélude aux concerts anniversaire du 7 au 9 décembre, qui permettront d'entendre la création d'une symphonie, elle proposait un concert de musique de chambre gratuit et sur l'horaire de la pause déjeuner, ce qui laisse peu d'excuses pour ne pas y assister.

Nous avons pu entendre trois pièces, par ordre chronologique inversé. La première est un trio pour flûte, alto et harpe écrit en 2001 intitulé Et j'ai vu l'âme.. elle dansait sur un fil et composé de sept moments, ou plutôt, pour reprendre la terminologie employée par le compositeur, une « phrase » constituée de sept « mots ». Chaque « mot » est un moment de musique qui est présenté, mais pas développé. Certains matériaux sont repris d'un « mot » à l'autre, ainsi que les syllabes dans une phrase. Je dois bien avouer que cette musique m'a séduit, et chaque morceau m'a paru trop court (ce qui est en général bon signe). Les harmonies sont douces tout en échappant à la banalité des formules tonales toutes faites; chacun des trois instruments est utilisé au meilleur de ses possibilités, et dialogue aimablement avec les autres. Même s'il y a des passages plus rythmiques et énergiques que d'autres, l'impression qui domine est celle d'une musique tout en douceurs qui ne s'impose pas par la force. La référence à Debussy et à sa Sonate pour flûte, alto et harpe est inévitable et d'ailleurs rappelée par Pierre Bartholomée. Si les sonorités ne sont pas aussi originales que ce qu'ont écrit par exemple Sofia Goubaïdoulina ou Kajia Saariaho pour la même formation, le tout est vraiment de très bonne facture et s'écoute avec grand plaisir.

Le compositeur nous invite ensuite à remonter un peu dans le temps (1997 je crois) pour écouter une autre série de sept miniatures, pour une formation beaucoup plus insolite: violon et trombone. Contre toute attente, cela fonctionne assez bien, y compris dans les passages où le trombone joue dans un registre plus aigu que le violon. C'est bien sûr grâce aux interprètes: d'une part la violoniste Izumi Okubo a tellement de son qu'une armée de trombones ne sauraient la « couvrir »; d'autre part Alain Pire, son partenaire, écoute et sait doser le son d'un instrument dont on oublie parfois qu'il est capable des pianissmi les plus délicats en plus d'avoir un éclat incomparable dans les nuances forte. Là encore, chaque miniature paraît presque trop courte, on ré-écouterait bien l'ensemble une deuxième fois. Pierre Bartholomé, qui parle de sa musique avec simplicité et des musiciens qui la jouent avec bienveillance, nous explique qu'il a utilisé certains « objets trouvés » dans ces pièces, c'est-à-dire des matériaux musicaux tirés d'oeuvres ou d'esquisses plus anciennes. Ce qui n'a rien d'insolite au demeurant: les compositeurs ont presque tous pratiqué l'auto-citation et l'auto-arrangement (certains plus que d'autres comme Bach ou Chostakovitch).

C'est ensuite Mezza Voce pour piano, violon, clarinette et percussions qui nous est présenté. Cette pièce écrite dans les années 1970 (c'est de la « musique ancienne » plaisante le compositeur) a été écrite à la mémoire de Louis Robert, compositeur disparu prématurément et au sujet duquel Pierre Bartholomée nous rapporte une anecdote tout à faire significative. Louis Robert avait écrit une pièce pour orchestre où l'accord de l'orchestre (le moment où tous les instruments jouent n'importe quoi en même temps), ce chaos originel, se transforme et s'organise progressivement, les musiciens utilisant des improvisations basées sur des motifs et des « réservoirs de notes ». Le chef d'orchestre arrive ensuite et prend les rênes pour une section centrale plus rythmique. Puis il pose la baguette et quitte la scène; la musique retourne alors progressivement au chaos. (Je n'ai pas entendu cette pièce: j'en rapporte simplement la description qu'en donne P. Bartholomée). Ce qui est remarquable c'est que le public habituel de la Philharmonie a très mal accueilli cette pièce lors de la création (un « gros scandale » nous dit P. Bartholomée) alors que la même pièce a connu un grand succès deux jours plus tard, donnée par les mêmes interprètes, lors d'un concert pédagogique dédié aux familles et précédé d'une courte présentation par le compositeur. Que pouvons-nous en retenir ? D'abord que le public pour un artiste est comme le vent pour un skipper: tantôt favorable, tantôt contraire, et parfois très prompt à passer de l'un à l'autre. Ensuite que les publics de mélomanes avertis (ceux qui ont un abonnement aux concerts symphonique ou à l'opéra) sont bien souvent horriblement conservateurs et frileux, enclins à juger avec sévérité tout ce qui est nouveau et qu'ils ne connaissent pas (aussi bien pour les interprètes que pour le répertoire d'ailleurs). Tandis que les publics plus divers et moins « cultivés » qu'on peut constituer lors d'occasions spéciales comme les festivals où les concerts dans des lieux insolites (usines, prisons, centre de congrès, plein air) sont souvent plus réceptifs et demandeurs d'émotions qui ne soient pas formatées ou pré-programmées.

Fermons la parenthèse et revenons à Mezza Voce. C'est un quatuor mais une seule des sept parties mobilise les quatre instruments: les solos et duos prédominent. Cette oeuvre est tendue, austère, sombre et elle parvient à créer une atmosphère très intense avec une grande économie de moyens. A titre purement subjectif, je lui trouve une force expressive sans commune mesure avec les autres pièces pourtant pas dépourvues de qualités. Notons au passage qu'elle comporte une pièce pour clarinette qui n'a pas été jouée lors de ce concert parce qu'elle est trop difficile et utilise beaucoup le suraigu. Comme je déteste cordialement le suraigu de la clarinette au-delà d'une demi-seconde, je ne saurais m'en plaindre. Cela dit on peut rendre hommage à l'excellent Jean-Pierre Peuvion, grand interprète de la musique contemporaine, qui avait joué et enregistré la pièce à l'époque de sa création.

Voilà donc un compositeur tout à fait intéressant et dont j'entendais la musique pour la première fois (sans doute parce que je ne vis pas en Belgique). Que peut-on en conclure ? Que le monde est vaste, que mon ignorance l'est plus encore et que fort heureusement il me reste bien d'autres découvertes tout aussi réjouissantes à faire.

Voici quelques-uns des concerts qui figurent sur mon agenda d'ici à la fin de l'année (je ne pourrai pas assister à tout malheureusement en raison d'un emploi du temps des plus chargés):

• Samedi 13 novembre à 20h à la Scots Kirk (église écossaise) de Paris, 17, rue Bayard, un récital chant et piano du baryton Clément Dionet accompagné par Thomas Le Colleter (les détails sur facebook)
• Du 11 au 20 novembre au théâtre du Tambour Royal, Les amants fous (chant &piano, danse) chanté et mis en scène par  la très charmante Oriane Moretti
• Du 16 novembre au 6 décembre, l'opéra de Paris donne Mathis der Malher, opéra d'Hindemith d'écriture plutôt néo-classique et d'une grande beauté. Mise en scène Olivier Py, direction Christophe Eschenbach. En complément, le 23 novembre, ceux qui aiment l'alto pourront entendre Antoine Tamestit jouer les sonates pou alto (seul et avec piano) du même Hindemith au petit auditorium de l'opéra Bastille. Et le quatuor Danel donnera les Quatuors numéros 4 et 6 du même compositeur le 30 novembre. Ces quatuors qui sont très rarement joués valent largement ceux de Bartok ou (Schön)Berg à mon avis.
• Mercredi 17 novembre à l'auditorium Saint Germain, le quintette de Schumann pour accompagner le vernissage de peintures d'Etienne Yver
• Les 20 et 21 novembre salle Gaveau, la Folle Nuit qui comme son nom ne l'indique pas, se déroule sur deux journées de 13h à minuit. Au programme: du piano, du piano et encore du piano. Un tarif unique de 8 euros pour des concerts d'une heure. Je me suis laissé tenté par l'intégrale Harmonies Poétiques et Religieuses de Liszt, par Brigitte Engerer et avec un récitant pour déclamer les poèmes de Lamartine correspondant à chaque pièce du cycle.
• Le 27 novembre salle Gaveau toujours, une journée « Rencontrer l’Ame Bulgare »
• Du 3 au 5 décembre au Conservatoire Régional de Paris (rue de Madrid), le festival VioloncellenSeine avec des masterclasses, un concours de lutherie, un concours pour jeunes instrumentistes, et des concerts, le tout autour du violoncelle bien sûr
• Le 3 décembre à la basilique Sainte Clotilde à 20h30 (Métro 12 - Solférino) concert de l'Orchestre Moderne dans un programme Fauré-Suk-Korngold-Holst-Ibert (Entrée libre).
• Le 4 décembre au lycée Jean-Baptiste Corot à 19h à Savigny sur Orge (RER C), le même programme par le même ensemble
• les 4 et 5 décembre, un programme « Symphonie Américaine » par mes amis de l'ensemble de cuivres KABrass avec une nouvelle chef à la baguette:Elizabeth Askren
• les 9, 11, et 12 décembre, concerto de Mendelssohn et symphonie de Schumann par mes amis de l'orchestre symphonique Ut Cinquième, avec l'excellent Thierry Huchin au violon (je me souviens d'un concerto de Beethoven joué en concert avec lui il y a quelques années et qui fait partie des meilleurs enregistrements de cet ensemble).
• Enfin, jusqu'à Janvier prochain, on peut et on doit aller visiter l'exposition Lénine, Staline et la musique à la Cité de la Musique et assister à l'un des concerts qui lui sont associés.