Le journal de papageno

En ce premier janvier, il convient de commencer en souhaitant à tous mes lecteurs, à ceux que je connais personnellement comme à ceux que je rencontrerai peut-être,  une excellente année 2012, en musique bien entendu.

Il convient aussi de rattraper un peu le retard impardonnable pris dans ce Journal en signalant avec six semaines de retard à peine la sortie d'un disque un peu spécial pour moi car c'est le premier auquel j'ai eu le bonheur de participer comme compositeur.

Ce disque du baryton L'Oiseleur des Longchamps s'intitule Chevauchées Lyriques et c'est un beau récital qui traverse les genres et les époques avec le thème du cheval comme fil conducteur. Disque inclassable où l'on trouve des mélodies françaises assez connues (Chausson, Duparc, Debussy,  Saint-Saëns) ou au contraire beaucoup plus rares (Déodat de Séverac, Aimé Maillart, Olivier Greif, Frédéric Chopin), du lied allemand (Schubert, Schumann, Loewe), mais aussi de la chanson française contemporaine (Hughes Aufray, Georges Brassens) et même une pincée de rock (avec une reprise de Wild Horses des Rolling Sones). De plus L'Oiseleur des Longchamps a commandé deux mélodies spécialement pour cet album: une berceuse sicilienne à Frédérico Alagna ainsi qu'une mise en musique de Centaures de Marguerite Yourcenar (poème tiré des Charités d'Alcippe, publié aux éditions Gallimard) à votre serviteur.

Accompagné tantôt au piano par la fidèle et sensible Mary Olivon, tantôt à la guitare par Mathieu Scala, le baryton français sait donner une véritable unité à ce programme on ne peut plus original et éclectique: le fil conducteur, bien plus que le thème du cheval, c'est cette voix qui nous conduit d'une scène à l'autre, nous invite au voyage dans le temps et l'espace. En vingt numéros et presque autant de compositeur, c'est le portrait d'une voix qui est dressé dans ce disque.

Si vous ne me croyez pas sur parole (ma participation quoique modeste à ce projet me rend suspect de conflit d'intérêt, mais je n'aurais pas participé si la voix de L'Oiseleur des Longchamps ne me séduisait pas), je vous invite à écouter ce extrait du disque mis en images par Paul Gilbert qui avait filmé une des séances d'enregistrement:

L'Oiseleur des Longchamps et Mary Olivon seront en concert le 7 janvier prochain à 17 heures à Paris, à l'auditorium du CNR (14 rue de Madrid). Dans le cadre des concerts Cantus Formus ils chanteront (oui, Mary Olivon sait faire chanter son instrument, le pluriel au verbe chanter n'est donc pas abusif) plusieurs mélodies inédites d'Olivier Greif, une d'Anthony Girard, ainsi que mon Centaures. Le programme comporte également un quatuor à cordes de Jacques Boisgallais. L'entrée est libre, n'hésitez pas à vous faire du bien.

A lire également: critiques du disque sur les sites Appogiature et Forum Opéra.

Pascal Devoyon et Rikako Murata nous proposent de fêter le bicentenaire Franz Liszt en beauté avec un disque consacré à la Faut-Symphonie dans une version pour deux pianos du compositeur. En complément de programme, nous avons droit à une version 4 mains de la deuxième Mephisto Walz. Enregistré au Japon pour le label Regulus et pas encore commercialisé en France ni disponible sur les sites comme iTunes ou Amazon MP3 (On peut sans doute avoir plus d'information sur la disponibilité en écrivant ici)

Passons sur la couverture qui reprend la même photo que les autres disques du même duo de pianistes (comme le disque Ravel-Merlet-Messiaen dont nous fîmes grand cas), en y ajoutant une sorte de photo d'arbre décharné sur fond rouge sensée représenter vaguement l'enfer, puisque le disque s'intitule Liszt & The Devil. Fort heureusement le contenu vaut bien mieux que l'emballage, à commencer par le livret en quatre langues (français, anglais, allemand, japonais) où les deux artistes nous font partager leur passion pour Liszt en expliquant toute la portée du pacte faustien pour un musicien aujourd'hui:

Il est bien naturel de noter quelques ressemblances entre le Faust magicien, insatisfait, passionné, qui sera sauvé par l'amour et Liszt, magicien du clavier, mais aussi compositeur en proie au doute et homme qui croit en la rédemption du monde par l'amour. Quant au rapprochement avec Méphisto, les virtuoses ne sont-ils pas quelque peu diaboliques comme un certain Paganini, "violoniste du diable" ? 

Mais ce serait réduire la portée du mythe de Faust si l'on y voyait qu'une belle histoire bien morale qui, somme toute, ne finit pas si mal, l'amour apportant le pardon. Faust c'est aussi, et peut-être d'abord, le décalage entre l'idéal inaccessible et la réalité décevante, ce qui explique probablement l'engouement de tout artiste pour ce personnage symbole de l'insatisfaction permanente de l'homme et à qui s'offre une nouvelle vie. Qui n'a pas rêvé de refaire sa vie ? Quel artiste ne vendrait pas son âme au diable pour réaliser l'oeuvre parfaite, sortir de la médiocrité vraie ou supposée ?

On ne saurait mieux dire. La Faust-Symphonie rassemble et résume tout l'art de Liszt, toutes les facettes de sa personnalité si originale et attachante, si puissamment romantique. Dans sa version pour deux pianos, nous sommes bien sûr privés de la richesse de de l'audace des orchestration lisztiennes (un aspect souvent méconnu de son oeuvre, tant son nom reste associé à la virtuosité pianistique). On pense davantage à la Sonate en Si mineur. Ce serait fort injuste cependant de prétendre que l'interprétation de Devoyon et Murata manque de couleurs. C'est tout le contraire: la merveilleuse sensibilité au timbre à la couleur qu'ils ont acquise par une longue pratique de la musique française fait ici vraiment des merveilles.

Il convient donc d'éviter la comparaison avec la version pour orchestre et de se plonger sans retenue dans l'écoute de cette fresque symphonique à deux pianos de dimensions quasi malhériennes (presque une heure de durée), portée de bout en bout par deux interprètes aussi passionnés que rigoureux. On pourra ainsi apprécier pleinement la manière dont Liszt éviter d'introduire aucun thème nouveau dans le troisième "portrait", celui de Mephisto. Le diable ne crée rien: aussi les matériaux musicaux qu'on entend dans cette pièce sont ceux de Faust et de Gretchen, déformés, torturés, caricaturés avec tout l'art de la variation dont Liszt était un maître. Un procédé qui rappelle celui de Berlioz dans la Symphonie Fantastique (rappelons que Liszt connaissait et appréciait Berlioz et qu'il avait beaucoup fait pour diffuser sa musique en allemagne: réduction pour piano de ses oeuvres, concerts à Weimar, etc).

Je ne saurais être objectif en parlant de Devoyon et Murata, qui m'honorent de leur amitié et ont créé une de mes pièces. Mais il faut bien reconnaître que chaque prestation en concert à laquelle j'ai pu assister force l'admiration. Et que ce nouveau disque est tout à fait à la hauteur des mes attentes, qui sont très élevées car je trouve que dans les deux tiers de ce qu'on trouve dans le commerce, la musique de Liszt est éborgnée par des pianistes qui n'en saisissent pas toutes les dimensions. Pascal Devoyon et Rikako Murata joueront Liszt dans quelques jours à Sendai, puis en tournée au Japon. Pour les entendre à nouveau en Europe (Berlin et Paris) il faudra attendre l'année prochaine...

Après un premier disque consacré à Bach et Ligeti, et un deuxième à la musique russe (Chostakovitch et Schnittke), l'altiste Antoine Tamestit nous propose un troisième opus consacré intégralement à Schubert, avec la très connue et très belle sonate pour Arpeggione, complétée par des transcriptions de lieder, et terminée par Der Hirt auf dem Felsen en duo avec Sandrine Piau.

Globalement, je partage l'enthousiasme de Philippe du Poisson Rêveur au sujet de cet album (qu'on peut découvrir en streaming sur les sites comme musicme). J'y retrouve toutes les qualités que j'ai pu apprécier en concert comme au disque: une élégance, une merveilleuse souplesse mélodique qui lui permet de dérouler sans accroc le fil invisible du discours schubertien. Le timbre léger, presque fragile, jamais puissant comme celui d'un violoncelle, convient parfaitement à l'intimité de la sonate arpeggione. L'équilibre avec le piano est parfait, le tout donne l'impression d'avoir été enregistré très près des instruments et mixé en studio. Le résultat est en tout cas très convainquant, et à la hauteur des meilleures références discographiques comme celles de Bashmet et Caussé (pour s'en tenir aux altistes, car les violoncellistes nous ont donné nombre de versions excellentes de cette sonate).

Ma seule réserve porte sur le choix des lieder qui accompagnent l'arpeggione. Tous sont très beaux, très doux, très intimes, et très mélancoliques, ce qui donne une certaine impression d'uniformité sur l'ensemble de l'album. Il y a pourtant dans les quelque six cents lieder de Schubert des textes véhiculant toutes sortes d'émotions: le ton peut être oppressé, coléreux, amoureux, enthousiaste, ironique ou désespéré. Et la beauté de l'alto est qu'en plus de la douceur dont Tamestit est un grand spécialiste, il peut également jouer sur d'autres registres, plus rugueux, plus populaire, plus déjanté, des registres que sa noblesse aristocratique interdit au violon. Le choix des textes comme les choix d'interprétation faits dans cet album ne vont pas vraiment dans le sens d'une telle diversité ou d'une recherche des contraste, mais plutôt d'un prolongement du climat de la sonate arpeggione.

C'est peut-être dans la dernière plage du disque: Der Hirt auf dem Felsen (le pâtre sur le rocher), écrit au départ en duo pour soprano et clarinette, que ces choix apparaissent le plus clairement. Quand la voix de Sandrine Piau se fait entendre en reprenant la phrase mélodique énoncée par l'alto, on dirait que c'est la chanteuse qui accompagne l'instrumentiste ! Ce qui apparaît également sur la pochette du disque où c'est l'altiste seul qui est en vedette. L'interprétation comme la prise de son tendent à rapprocher autant que faire se peut le timbre de la voix et celui de l'alto. Un choix qui se défend, même si on peut préférer dans ce lied à caractère populaire une voix plus cuivrée, qui dialogue avec une clarinette plus typée.

Si l'on peut juger toute cette douceur un peu excessive, il n'en reste pas moins qu'Antoine Tamestit montre dans cette pièce une technique parfaite et une souplesse mélodique incroyable dont peu d'instrumentistes à cordes sont capables et qui rend tout à fait crédible le remplacement d'un instrument à vent par l'alto. Comme nous l'avons déjà évoqué, la transcription est aussi une affaire d'interprétation, et ce qui lui convient comme un gant pourrait sonner beaucoup moins bien sous les doigts d'un autre musicien.

En résumé, cet album c'est 58 minutes de miel pour les oreilles. On peut aimer bien sûr les plats plus épicés, mais de temps en temps il n'y a pas de mal à se faire du bien...

A l'heure où sur le marché américain, les ventes de musique en ligne vont bientôt dépasser celles des disques compacts, à l'heure où les majors déversent sans discernement leur gigantesque catalogue dans des site de musique en ligne mal ficelés, à l'ergonomie douteuse et de qualité sonore médiocre, à l'heure où Internet peut donner l'illusion qu'on a accès à tout tout de suite et si possible gratuitement, il est bon de savoir qu'il existe encore des artistes et des éditeurs qui prennent le temps de réaliser des disques qui soient une nourriture pour l'esprit autant qu'un régal pour les oreilles. Qui se donnent la peine de chercher un répertoire original. Qui choisissent avec soin l'iconographie, et composent un livret digne de ce nom, où l'on trouve autre chose qu'un copier-coller du CV des interprètes.

Le double album Alpha que j'ai entre les mains est consacré à la musique de chambre de Bohuslav Martinů, avec un trio à cordes H. 136 dont c'est le tout premier enregistrement disponible en disque, un quatuor avec piano H. 287, un quintette à deux altos H. 164 et un étrange sextuor pour piano, harpe, clarinette, violon, alto, violoncelle H. 376.

Comme nous l'explique Harry Halbreich (auteur du catalogue des oeuvres de Martinů) dans le livret, le trio à cordes H. 136 fut écrit par un Martinů encore jeune en 1924 alors qu'il venait d'arriver à Paris, et de prendre quelques leçons avec Albert Roussel. Cette partition a été envoyée à Prague puis perdue, et retrouvée en 2005 seulement, à la bibliothèque de Copenhague où elle dormait depuis vingt-cinq ans. Elle marque un tournant chez le compositeur tchèque dont les 135 premiers numéros (une productivité exceptionnelle !) étaient surtout marqués par l'impressionnisme à la Ravel-Debussy mâtiné de folklore tchèque. Plus ramassée, plus intime, plus tendue, plus personnelle, cette partition annonce et contient déjà le meilleur de la musique de chambre de Martinů.

Je me souviens de l'instant où j'ai tenu le manuscript entre les mains, et j'en tremble encore m'a confié Karine Lethiec, l'altiste à l'origine de ce projet, de cette véritable aventure musicale. La passion et l'engagement des interprètes sont palpables sur le mini-documentaire d'une vingtaine de minutes réalisé par Olivier Ségard. Paris, Prague, Copenhague mais aussi la ferme de Villefavard dans le Limousin sont les étapes de ce périple. Villefavard où Martinů a été accueilli par Charles Munch lorsqu'il fuyait les nazis en 1940. Villefavard où l'album a été enregistré soixante ans plus tard...

Je vous invite à écouter des extraits de ce trio sur le site d'Alpha (qui a récemment fusionné avec aeon, dirait-on). La comparaison n'est peut-être pas justifiée sur le plan musicologique, mais surtout dans l'interprétation de Maud Lovett, Karine Lethiec, et Romain Garioud, ce trio a quelque chose de brûlant et de secret qui n'est pas sans évoquer les quatuors de Janáček, qui sont d'ailleurs contemporains de ce trio. Certains passages sont vraiment à couper le souffle, comme les murmures qui concluent adagio et pianissimo le très énergique premier mouvement. Quinze ans plus tard, lorsqu'il entama son trio à cordes, un de ses derniers chefs-d'oeuvres, Albert Roussel s'est-il souvenu de celui de son élève ?

Il me faudrait plus qu'un billet de blog pour détailler les oeuvres présentées dans ce double disque. La plus aboutie et la plus étonnante est le sextuor H. 376 qui marie ces instruments antagonistes que sont le piano et la harpe. On entend le violon jouer de la harpe, le piano se faire passer pour une clarinette, l'alto jouer à cache-cache avec les uns ou les autres, le violoncelle chanter comme un ténor d'opéra au-dessus de l'orchestre... Le titre de cette surprenante et magnifique sonate à six ? Musique de chambre. Les musiciens de l'ensemble Calliopée nagent dans ce répertoire avec autant d'aisance que des petits poissons dans l'eau du Danube, pour notre plus grand bonheur.

Ce disque intitulé Préludes est le seul disque monographique consacré à Brice Pauset (le seul qui soit disponible dans le commerce au moins). La notice prévient:

Hérissée de signes et d’indications d’une extrême minutie, la graphie des partitions de Brice Pauset donne à entrevoir « quelqu’un qui ne se rend pas la vie facile », « une grande agitation intérieure », « les traces des hésitations et des questions ».

Mais cela, les lecteurs du journal de Papageno le savent déjà ! L'enjeu était donc de savoir ce que cette musique donne à l'oreille, sans chercher à l'analyser en toute rigeur mais en se confiant plutôt à l'intuition.

Pour résumer: c'est plutôt séduisant à entendre. Commençons par les Préludes pour clavecin, enregistrés par le compositeur. Il faut d'abord saluer la démarche d'un compositeur qui prend le temps et la peine de travailler son instrument et de jouer ses oeuvres en public ou de les enregistrer, tant la vogue des compositeurs-musicologues est grande en ce moment. La différence entre piano et clavecin, qui est déjà énorme dans la musique de Bach ou Rameau, l'est encore plus dans la musique contemporaine. Les harmonies les plus complexes sonnent avec délicatesse, les dissonnances sont nettes mais pas agressives. Le piano moderne, bâti pour faire sonner Chopin ou Rachmaninov, cherche toujours à arrondir le son, à en brouiller les contours, sans échapper pour autant à la dureté des cordes frappées. La notice parle de liberté rythmique, et pour ma part j'ai du mal à percevoir une quelconque pulsation dans ces préludes. Qu'est-ce qui est ornement, appogiature, arpège, trémolo dans tout ça ? je ne saurais le dire mais le tout s'écoute plutôt bien.

L'autre partie importante de ce disque est une série de huit pièces pour hautbois d'amour et mini-orchestre. Chaque pièce étant basée sur une des huit premières notes du thème des variations Goldberg (également utilisées par Bach pour construire ses variations, faut-il le rappeler). Là encore l'écriture est très fouillée, et dans ses meilleurs moments, me fait penser au quatuor Ainsi la Nuit d'Henri Dutilleux. Il faut également saluer la très belle interprétation de Christian Hommel, un élève de Heinz Holliger, au timbre chaleureux et très séduisant.

Le disque comprend également une orchestration (pour ensemble de poche) des Variations pour piano op 27 de Webern. La notice relèce que les interprétations de Webern se caractérisent en général par la froideur et que le côté viennois, post-romantique et décadent est plutôt évité. D'où cette ré-instrumentation qui vise à éviter toute aridité et y parvient assez bien. Ici un constat s'impose à l'oreille: la musique de Webern a une concision et une force expressive qu'on ne trouvera pas aussi nettement dans le reste du disque.

Quant à la prise de son, n'étant pas un spécialiste, je ne vous parlerai pas de souffle ou de distorsion, mais simplement de la qualité des timbres que j'ai entendu, celui du hautbois, de la flûte, des instruments à cordes, et ce dans tous les modes de jeu. L'ingénieur du son devait être encore plus maniaque que le compositeur ! Mais le résultat fait honneur au deux, ainsi qu'à l'ensemble recherche ("recherche" sans majuscule, apparemment) qui signe cet album.

On peut écouter des extraits de ce disque sur le site d'aeon ou de la fnac.

A la mort d'André Jolivet, en 1974, Pierre Boulez, aimable comme à son habitude, avait prédit que 15 ans plus tard, plus personne ne jouerait sa musique. C'est raté. Si elle ne connaît pas le même succès que celle de Messiaen, sa musique commence à intéresser une nouvelle génération d'interprètes, qui n'ont pas connu le compositeur français, élève de Varèse, co-fondateur avec Daniel-Lesur et Messiaen du groupe "Jeune France" dans les années 1930.

C'est la violoniste Isabelle Faust qui a enregistré avec pour Harmonia Mundi, avec le Deutsches Symphonie-Orchester, le concerto de Jolivet, une de ses dernières œuvres, et son testament musical ainsi que le poème de Chausson. Je ne sais pas s'il est nécessaire de présenter cette artiste magnifique qui a déjà une dizaine de disques à son catalogue (Bach, Beethoven, Martinu, Schumann, Dvorak), qu'on entend régulièrement en France et qui semble aborder avec un égal bonheur le répertoire classique, romantique et contemporain. Elle joue un Stradivarius appelé la belle au bois dormant, ça ne s'invente pas !

Le Poème de Chausson est joué à la perfection, mais comme c'est un tube et qu'il existe de nombreuses versions toutes aussi excellentes, je parlerai seulement du concerto de Jolivet. Dès les premières mesures, le violon prend la parole et déroule une phrase sinueuse aux accents incantatoires, une vraie mélodie de charmeur de serpents. Le court extrait ci-dessous vous permettra d'apprécier la finesse de l'orchestration:

Dirigé par Marko Letonja, l'orchestre précis, attentif, doté de belles couleurs, permet de profiter pleinement de ces oeuvres très séduisantes pour l'oreille. Trop, peut-être, pour ceux qui préfèrent les plaisirs plus ascétiques ? Comme disait mon grand-père; y'a pas de mal à se faire du bien !

Le journal de Papageno vous offre une exclusivité car le disque dont nous parlons aujourd'hui n'est pas encore disponible en France. Il comporte En blanc et noir de Debussy, Musique pour deux pianos de Merlet et en plat de résistance, les Visions de l'Amen de Messiaen, enregistrés au Japon par Pascal Devoyon et Rikako Murata pour le label Regulus.

Autant l'avouer franchement, je ne suis pas un grand fanatique de la musique pour deux pianos en général. J'ai bien de la peine à y trouver une richesse de couleurs et de timbres qu'on trouve avec l'orchestre ou avec toute autre formation de musique de chambre. Les réductions d'œuvres orchestrales pour deux pianos (ou plus) sont en général à mourir d'ennui, et même les meilleurs pianistes ne son pas forcément à l'aise avec le jeu à deux qui demande un vrai travail de musique de chambre.

Ce qui m'a décidé pour ce disque, c'est un concert tout à fait passionnant qui comportait la première et la dernière des Visions de l'Amen. J'ai trouvé chez ces deux virtuoses un sens des nuances, de l'écoute, du timbre et une vraie complicité. De plus la musique de Messiaen est jouée ici avec un enthousiasme tout à fait communicatif. Détaillons un peu le programme:

• En blanc et noir de Claude Debussy. Une musique assez sombre, aux accents inquiétants, écrite en 1916. L'écriture assez dépouillée (en particulier dans le mouvement central indiqué Lent, sombre) donne plus souvent l'impression d'écouter un seul piano que deux.

• Musique pour deux pianos de Michel Merlet (1964). Le style de Merlet est assez difficile à définir, quoique aisément reconnaissable à l'oreille. Intégrant les acquis du vingtième siècle sans renier ceux des siècles précédents, son langage harmonique est complexe mais il offre suffisamment de repères pour éviter à l'auditeur de se perdre. Le Prélude commence comme une lente déploration qui sera brutalement interrompue par des rafales de triples croches, sans perdre son caractère élégiaque. Ce prélude se poursuit par un Allegro basé sur une série de 12 sons. Suivent un mouvement lent puis un Scherzo des plus énergiques. Je vous propose d'écouter le début de l'Andante:

• Messiaen: Visions de l'Amen Il faudrait toute une série de billets pour parler de ce cycle, mais la musique de Messiaen d'une part se passe très bien d'explications, d'autre part a été abondamment commentée par d'autres. Je soulignerai simplement la cohérence, l'énergie et le bonheur visiblement communicatif des interprètes, qui ont surmonté les difficultés de cette partition touffue pour nous la faire entendre dans toutes ses couleurs splendides. Les Visions de l'Amen gravées par Pasal Devoyon et Rikako Murata n'ont pas vocation à remplacer les enregistrements historiques de Messian et Loriod, ni celui des sœurs Labèque supervisé par le compositeur. Mais elle témoigne du fait que ce texte est devenu un véritable classique, qui a gagné toute sa place dans le répertoire.

La Croix, scandale pour les juifs, folie pour les païens écrivait Saint Paul. La Croix, au cœur des mystères célébrés par les chrétiens, bien au-delà des célébrations du Vendredi Saint car elle est devenu le symbole même du christianisme. C'est la foi en la résurrection qui fonde le christianisme, mais c'est la Croix qu'on vénère, la Croix qu'on voit sur les 14 stations représentées dans chaque église, au sommet de chaque clocher, sur la tombe de chaque chrétien.

En composant un chemin de croix en , à la fin de sa vie, Liszt, qui avait reçus les ordres mineurs et portait la soutane, avait peut-être pour intention d'expier ses péchés et ses excès: sa virtuosité méphistophélique, ses aventures avec des femmes mariées. Pourtant, la double polarisation du diable et du bon Dieu joue dans son imaginaire et donc dans son œuvre une place centrale et ce depuis l'enfance. C'est sans doute comme compositeur de musique religieuse qu'il a été le plus méconnu et méprisé, aussi bien de son vivant que de nos jours. Les cantates de Bach, les messes de Mozart et Schubert, les oratorios de Haendel ou Mendelssohn jouissent d'une notoriété bien plus grande que l'oratorio Christus.

En composant son Via Crucis, Liszt s'impose une ascèse qui le conduit à renoncer à toute virtuosité, et même à la facilité mélodique et harmonique qui le caractérise. Cet effacement le conduit à emprunter les thèmes de la tradition catholique - comme le De Profundis -, à privilégier les lignes vocales simples et le plus souvent monodiques. Cependant, par son dépouillement et son austérité même, ainsi que par ses silences ou ses audaces harmoniques, ce Via Crucis se rapproche des dernières pièces pour piano (dont j'ai déjà parlé). Ce dépouillement se retrouve dans l'interprétation du chœur Accentus, qui renonce à toute virtuosité, à tout effet facile, et même à toutes ces belles couleurs qu'on avait pu entendre par exemple sur les deux disques de transcriptions d'œuvres instrumentales (publiées chez Naïve également). Austère mais pas dépourvu d'émotions, cette version laisse toute liberté à l'auditeur pour déployer sa propre pensée jusque dans les silences, pour prolonger en lui-même la méditation qui n'est que pudiquement esquissée par le chœur.

Pour introduire cette pièce, Brigitte Engerer (qui accompagne le choeur Accentus) nous propose trois pièces tirées des Harmonies poétiques et Religieuses: Ave Maria, Pater Noster et Pensées des morts. Ce choix est clairement thématique et destiné à nous préparer au Via Crucis. Je regrette un peu le côté un peu trop sage et policé de Pensées des morts, ce monument qui dit tout l'art du piano, faite de contrastes extrêmes où le dépouillement initial doit trancher avec le bouillonnement romantique de la section centrale:

Dans la même pièce, je trouvais l'interprétation de Philip Thomson (publiée par Naxos) infiniment plus convaincante, mue par une énergie sauvage et virile qui évoque la Totentanz du même Liszt:

Philip Thomson va également plus loin dans les contrastes, avec notamment une fin très retenue et pianissimo qui est véritablement à couper le souffle.

Malgré cette petite réserve sur les choix d'interprétation de Pensées des morts, ce disque a toutes les qualités requises pour rejoindre le petit nombre de mes préférés. Allez hop ! sur l'étagère, juste à côté des quintettes de Mozart par Arthur Grumiaux.

J'avais déjà parlé de leur premier disque, consacré essentiellement à la musique française du XXIe siècle. Arnaud Thorette (altiste) et Johan Farjot (pianiste), qui ont constitué un duo en 2000, nous proposent un autre album, consacré à Brahms. Sur deux disques, on a les deux sonates opus 120, ainsi que les deux lieder de l'opus 91 (avec la mezzo Karine Deshayes), mais aussi le trio opus 114 (avec le violoncelliste Raphaël Merlin).

Globalement c'est un enregistrement très soigné, réalisé avec autant de passion que de professionnalisme. Je ne suis pas un grand fanatique des comparaisons discographiques, mais il m'a semblé que l'enregistrement de Thorette et Farjot n'a rien à envier à celui de Yuri Bashmet et Mikhaïl Muntian, que j'ai ré-écouté pour l'occasion. Thorette et Farjot jouent ensemble depuis des années, ils forment un vrai duo et cela s'entend. La cohésion est remarquable, et lorsqu'une phrase passe d'un instrument à l'autre, c'est avec une totale continuité. Je vous propose d'écouter le début du mouvement lent de la 1e sonate, dont j'aime le caractère rêveur et les harmonies un peu suspendues (assez inhabituelles chez Brahms)

Ces sonates sont une des pierres de touche du répertoire pour alto et piano (qui n'est pas très abondant en ce qui concerne la période romantique) et elles ont été gravées par les plus grands altistes, de William Primrose à Kim Kashkashian. C'est donc un vrai défi qui demande une certaine maturité autant qu'une bonne technique.

C'est un projet que ces deux artistes tenaient beaucoup à cœur. Lorsque j'avais avoué à Arnaud Thorette que je gardais une préférence pour la version avec clarinette de ces sonates, il s'est défendu avec énergie:

Vous savez, les sonates de Brahms sont des vraies sonates pour alto. Brahms les a transcrites lui-même (choix des tessitures, ajouts de doubles cordes, changements de notes...). S'il n'avait pas voulu qu'on puisse les jouer avec bonheur à l'alto il ne l'aurait pas fait... En tout cas c'est mon opinion sur cette question qui revient souvent et qui a même retardé la décision de réaliser ce disque car je savais que cette remarque reviendrai forcément dans le débat des critiques! Il y a la même question avec le trio en la mineur que vous trouverez sur ce disque. A mon sens, il ne faut pas chercher à comparer ces deux versions car le changement d'instrument fait que pour moi ça n'est plus la même musique.

Concernant le trio op 114 je garde un petit regret car le remplacement de la clarinette par l'alto le transforme en un trio avec piano ordinaire (un peu comme si Brahms avait écrit un quatrième trio avec piano, le violon étant remplacé par l'alto). On perd le mariage des trois timbres qu'on a dans la version piano-violoncelle-clarinette. Même si ça serait plus osé car ça n'a pas été prévu ainsi par le compositeur, remplacer le violoncelle par l'alto et conserver la clarinette dans le trio op 114 conserve davantage le charme et la spécificité cette œuvre.

Quant aux lieder de l'opus 91, ils constituent peut-être le meilleur moment de cet album. Voici le texte du premier (Rückert), évoquant la lumière du crépuscule et les sentiments qu'elle inspire

Gestillte Sehnsucht

In gold'nen Abendschein getauchet,
Wie feierlich die Wälder stehn !
In leise Stimmen der Vöglein hauchet
Des Abendwindes leises Weh'n.
Was lispeln die Winde, die Vögelein ?
Sie lispeln die Welt in Schlummer ein.

Ihr Wünsche, die ihr stets euch reget
Im Herzen sonder Rast und Ruh !
Du Sehnen, das die Brust beweget,
Wann ruhest du, wann schlummerst du ?
Beim Lispeln der Winde, der Vögelein,
Ihr sehnenden Wünsche, wann schlaft ihr ein ?

Was kommt gezogen auf Traumesflügeln ?
Was weht mich an so bang, so hold ?
Es kommt gezogen von fernen Hügeln,
Es kommt auf bebendem Sonnengold.
Wohl lispeln die Winde, die Vögelein,
Das Sehnen, das Sehnen, es schläft nicht ein.

Ach, wenn nicht mehr in gold'ne Fernen
Mein Geist auf Traumgefieder eilt,
Nicht mehr an ewig fernen Sternen
Mit sehnendem Blick mein Auge weilt;
Dann lispeln die Winde, die Vögelein
Mit meinem Sehnen mein Leben ein.

(Je ne fournis pas de traduction, vous n'aviez qu'à pas lancer des boulettes de papier mâché en cours d'Allemand seconde langue, bande de cancres !)

Le dialogue entre la voix et le plus délicat des instruments à cordes donne tout simplement des frissons. Le seul problème quand j'entends une belle mezzo, c'est que j'ai envie de l'épouser sur-le-champ. Pourtant en général ça ne se fait pas comme ça: on ne peut pas capturer ni posséder la beauté. On la contemple, c'est tout.

Dernier point avant d'aller au dodo: si vous souhaitez entendre ces sonates en concert, par les mêmes interprètes, je vous invite à consulter l'agenda d'Arnaud Thorette.