Le journal de papageno

Entrée en eau est le titre d'un poème d'Aurélie Loiseleur, tiré de son dernier livre Entrées en Matière. C'est ce poème, lu par son auteure que j'ai choisi comme point de départ pour ma toute première pièce de musique électroacoustique. On y trouve bien sûr des bruits d'eau; pluie, cascades, gouttes, mais aussi quelques sons de piano, qui ont été retravaillés pour s'harmoniser avec les gouttes. Avec les bruits d'eau on dispose d'une palette assez riche où l'on des sons harmoniques comme les gouttes aussi bien que la cascade qui se rapproche du bruit blanc (saturation de toutes les fréquences) et tous les intermédiaires. Au-delà de l'aspect technique - enregistrer, nettoyer, filtrer, mixer les sons - l'une des difficultés est de dépasser l'aspect anecdotique ou descriptif des sons pour leur donner une qualité, une présence, une signification, un rythme véritablement musicaux. Pas sûr que j'ai vraiment réussi dans cette pièce qui ne me satisfait qu'à moitié. Elle possède néanmoins le grand avantage de durer 2 minutes seulement, et de se terminer donc avant qu'on en soit lassé.

Quoi qu'il en soit, voici Entrée en eau, récité par Aurélie Loiseleur, musique de votre serviteur:

Mes Petites Fanfares Célestes seront données à la philharmonie de Liège (Belgique) dimanche prochain, 15 mai 2011, à 15 heures, dans une nouvelle orchestration pour grand ensemble de cuivres et percussions (la version originale étant pour dixtuor de cuivres: 4 trompettes, cor, 4 trombones, tuba). Dans le cadre d'un projet destiné à rapprocher jeunes compositeurs et formations de musiciens amateurs, elles seront jouées par la Fanfare Royale de Malmedy sous la direction de Vincent Dujardin.

C'est l'occasion pour moi de remercier chaleureusement et par avance Vincent Dujardin et les musiciens de la Fanfare Royale ainsi que Michel Fourgon, professeur au conservatoire de Liège, pour avoir permis à ce projet de se concrétiser.

Écrit en décembre dernier, en deux heures, entre deux répétitions d'orchestre à Liège, et en regardant la neige tomber par la fenêtre au-dessus de la Cité Ardente, voici la partition d'un Haïku pour voix et piano. L'ambitus vocal étant assez réduit (une octave, du mi au mi) c'est chantable par presque toutes les voix ou presque. Un Haïku est nécessairement très court (5 + 7 + 5 syllabes, encore que le comptage des syllabes ne soit pas le même en Japonais et en Français) et doit comporter une référence à la saison. C'est bien le cas ici:

Neige sur Liège

L'Ardente endormie

Rêve à son passé

Comment rendre musicalement le sentiment de confort feutré et de léger vide qu'on ressent en regardant les flocons tourbillonner derrière une vitre, au-dessus d'une ville immobile et plus grise que jamais ? Je ne saurais l'expliquer, mais alors que je n'avais pas particulièrement prévu de travailler à ce moment-là, une intuition m'a soufflé ce court motif que j'ai jeté sur le papier:

Le reste a suivi très naturellement. Dans une pièce aussi courte, on ne doit pas introduire trop d'idées si l'on tient à créer une ambiance cohérente. Il vaut mieux jouer avec les matériaux qu'on entend dans les toutes premières secondes, ce qui laisse tout de même une grande liberté car on est bien loin d'avoir épuisé toutes les possibilités de variation et de développement quand la pièce prend fin.

La tête de ce motif, noyée dans la résonance de la pédale, peut faire penser aux nuages et tourbillons debussystes, Mais ce brouillard est vite dissipé par suite du motif (dissonance de septième majeure, rythme pointé, accent, coupure de la pédale) qui débouche sur une note tenue, autrement dit sur le vide. Il est un peu tard et je ne vais pas vous faire un cours sur la contemplation du vide dans la philosophie taoïste mais vous avez saisi l'idée.

Dès qu'un de mes amis chanteur ou chanteuse aura eu la gentillesse de programmer cette chansonnette en récital, j'aurais peut-être un bout de mp3 à poster dans ce journal.

Cette fugue est un pur exercice scolaire, dans la mesure où elle a été réalisée pour le cours d'écriture au conservatoire de Liège, où j'ai profité des excellents conseils du pianiste et compositeur Marcel Cominotto. Les sujets et contre-sujets de cette fugue sont basés sur la cellule suivante:

C'est la signature musicale de Dimitri Schostakovitch. (Rappelons que la notation allemande utilise des lettres pour les notes de la gamme, avec B = si bémol et H = si bécarre. Pour le S il y a une astuce car Es = mi bémol). Le compositeur russe (ou devrais-je dire soviétique) l'a utilisé notamment dans son excellent Huitième quatuor.

Ce blog n'est pas le lieu pour publier une longue auto-analyse de l'oeuvre, et ce d'autant plus que je trouve les auto-analyses des compositeurs en général barbantes, qu'il est tard et qu'il faudra se lever tôt demain pour emmener les enfants à l'école. J'invite seulement les lecteurs de ce blog à remarquer que j'ai très peu fait usage dans cette pièce des modes de jeux spéciaux (col legno, sul pont, tremolo, glissando, ...). Non que je n'aime pas ça, bien au contraire: je crois avoir écrit récemment dans ce journal que les recherches sur le son me passionnent et je n'ai rien contre le contemporain qui pique et qui gratte. Mais au fur et à mesure que j'avançais dans ce projet d'écriture s'est imposée à moi la nécessité, pour cette pièce, d'utiliser peu d'artifices, d'exploiter surtout les ressources nobles des instruments et le développement du contrepoint pour créer une atmosphère, introduire des ruptures et raconter une histoire.

A quel point j'y ai réussi, c'est à vous d'en juger. Vous pourrez le faire grâce à un enregistrement réalisé selon la méthode scientifique bien connue de la RACHE par mes amis et complices du quatuor Hypercube. Un grand merci à Fanny, Benoît et Stefano, et s'il vous plaît un peu d'indulgence pour les interprètes qui ont eu très peu de temps pour travailler cette partition:

La partition sera publié très bientôt sur le site Tamino Productions. Dernier point, la plupart des gens entendront cette partition comme atonale bien que je l'entende le plus souvent en si mineur et qu'elle se termine sur un accord parfait. Est-ce de la musique post-moderne, anti-réactionnaire ou bien néo-tonale ? Peut-être est-ce tout simplement de la musique.

Il est au fond assez fréquent que l'inspiration se nourrisse du travail d'autres artistes, quel que soit leur domaine. La poésie, la peinture, le théâtre sont aussi nécessaires à mon équilibre intérieur que la musique. Le cycle Architectures contemporaines en est la parfaite illustration.

Au départ il y a des architectes qui construisent des bâtiments tout beaux, tout neufs, parfois fascinants et parfois oppressants ou même ennuyeux dans leur trop grande régularité géométrique. Ensuite il y a une photographe italienne, Carola Merello, qui porte un regard sur ces structures de verre et d'acier (voir ci-contre à droite). Un jeune écrivain,  Jean Lequoy, qui compose des poèmes très courts, aussi raffinés que mystérieux à partir des photos. Un baryton, Clément Dionet, qui organise une exposition (avec ces photographies et ces textes parmi d'autres) et propose à des jeunes compositeurs, dont votre serviteur, d'utiliser textes et photos comme point de départ pour écrire des mélodies.

Les huit mélodies qui composent Architectures contemporaines ont été écrites l'été dernier, sur une dizaine de jours. En rapport avec la concision extrême des textes de Jean Lequoy, j'ai cherché des formes très courtes, sans aucune répétition: la plus longue mélodie du cycle dure peut-être 45 secondes. Pour assurer l'unité de chaque mélodie, j'ai ramassé chacune d'elle autour d'une seule idée musicale dont je tire le rythme, les harmonies, la ligne vocale. Ainsi les contrastes se trouvent plutôt dans le passage d'une pièce à l'autre qu'à l'intérieur d'une même pièce. Le caractère des textes et des photos me poussait à adopter un style très contemporain, avec ce mélange de froideur et de violence qui caractérise la ville moderne.

La création parisienne de ces mélodies a eu lieu le 23 février dernier à l'ENS par Lucile de Trémiolles (soprano) accompagnée de Thomas Lavoine (piano). Saluons au passage ces interprètes qui ont fourni un travail remarquable et fait ce cette création un très beau moment. Je vous propose d'en écouter un extrait (les trois dernières pièces) et pour ceux que ça intéresse, de feuilleter la partition:

La création londonienne est prévue le 31 mars par Clément Dionet (baryton) et Clare Hamond (piano) et à la Guildhall School du Barbican center.

La rédaction du Journal de Papageno ne ménage pas ses efforts pour vous proposer un blog différent avec un contenu original. Pour produire ce billet il a tout de même fallu:

• écrire 50 pages de musique (120 si on ajoute les parties séparées)
• réunir dix musiciens et un chef, organiser les répétitions
• trouver un lieu de concert, rédiger des programmes, faire de la pub (merci Catherine !)
• jouer les petites fanfares célestes en première mondiale
• enregistrer et filmer le concert
• terminer par un petit bout de montage vidéo

A part le premier et le dernier point, ma contribution au projet a été des plus limitées d'ailleurs. Je suis très reconnaissant aux musiciens de l'ensemble KABrass et à Xavier Saumon qui ont accueilli ce projet avec enthousiasme, et lorsque la partition est arrivée, ont toute de suite trouvé le ton mi-sérieux mi-ironique qui convenait à ce cycle et bravement affronté les difficultés techniques. Dans le numéro 3 notamment (Dialogues de l'Esprit), ils ont du notamment souffler sans produire de note, frapper l'embouchure du trombone avec la paume, boucher l'embouchure des trombones avec la main (pour produire un son qui se rapproche de celui du cor), et même se mettre à la percussion en laissant la trompette pour le wood-block ou le triangle. Dans la pièce numéro 3 du cycle consacré à la Trinité, on ne pouvait pas ne pas utiliser un triangle...

S'il faut donc saluer les efforts des musiciens pour défricher une partition nouvelle qui s'éloignait quelque peu de leur répertoire habituel (Stardust, entre classique et jazz, est un de leurs tubes), ce que je retiens de cette expérience, ce que j'ai aimé chez KABrass et qui m'a inspiré pour écrire ces pièces, c'est avant tout le plaisir de produire le son et de jouer ensemble, plaisir on ne peut plus communicatif. C'est le son chaud et plein des cuivres, mais c'est aussi l'ambiance amicale et volontiers facétieuse qui règne dans ce groupe, qui donne une coloration particulière et une forme de légèreté à tout ce qu'ils jouent.

Comme mon professeur de composition aime à le rappeler, les interprètes ont besoin de compositeurs sinon ils n'auraient rien à jouer; mais l'inverse est tout aussi vrai. Moi qui sais tout juste assez de trombone pour entonner La Marseillaise sur cet instrument (avec quelques pains), j'ai pu faire sonner non pas une mais dix embouchures. Une fois encore, merci et bravo à KABrass et à Xavier Saumon.

En exclusivité sur le journal de Papageno, voici le résultat du vote. Non, je ne parle pas du scrutin pour élire des députés européens dont apparemment personne n'a rien à faire, mais du seul vote qui comptait vraiment aujourd'hui: celui du jury du diplôme de composition de l'Ecole Normale de Musique. Courant sous les couleurs du coach Michel Merlet (gilet sériel, bottes modales, casaque tonale) j'ai présenté trois pièces au jury:

• Petites Fanfares Célestes, pour ensemble de cuivres, jouées par KABrass sous la direction de l'excellent Xavier Saumon,
• Sombres Pensées, pour violoncelle seul, jouées par le non moins excellent Benoît Stroh
• deux des Poèmes d'après Yourcenar, pour clarinette alto et piano, jouées par les excellents Mathieu Prévot et Aurélia Céroni, et moi-même.

Goutte à goutte épanché sur l'obscur auditoire,
Le son du violon roule encor comme un pleur.

Le verdict: reçu à l'unanimité pour le diplôme de composition. Bien sûr ça fait plus propre sur un C.V. que "recalé deux fois de suite", mais il convient de relativiser un résultat qui de l'aveu même des professeurs est des plus difficiles à prévoir, et réserve chaque année des surprises, bonnes ou mauvaises. Même sans remettre en cause le sérieux et la compétence des membres du jury (et celle de MM Louvier, Margoni et Mansart n'est plus à prouver), la diversité des esthétiques, la variété des techniques, la subjectivité de la perception de ce qui est beau, surtout lorsque c'est un compositeur qui écoute un autre compositeur, font qu'il reste toujours une part d'arbitraire dans les résultats. Comme pour les prix littéraires, la liste des reçus et des exclus laisse parfois un peu rêveur... Du reste tout cela ne date pas d'hier.

C'est donc un simple panneau sur le bord de la route: il est vert, il aurait pu être rouge, la route continue. Ce qui compte est bien le chemin parcouru, et bien plus encore celui qui reste à parcourir et toutes les rencontres qu'on peut faire en chemin. Si mes pensées (qui n'ont rien de sombre aujourd'hui) vont tout d'abord à mon professeur Michel Merlet qui m'a tout appris et bien plus, je ne peux terminer ce billet avant d'avoir salué amicalement mes collègues apprentis compositeurs de l'ENM, de qui j'ai beaucoup appris également, et de leur souhaiter tous le bonheur qu'ils et elles méritent dans le très difficile et très ingrat métier de compositeur.

Les sons déjà couchés dans leur cercueil d'ivoire,
N'excusent qu'un moment ta fièvre et ma pâleur;
Assez; plus de baisers; la chair est sans mémoire;
Tout amour prolongé se résorbe en douceur

Happés diversement par l'immensité noire,
Repoussons, dégrisés, ce fascinant malheur;
Goutte à goutte épanché sur l'obscur auditoire,
Le son du violon roule encor comme un pleur.

N'accuse ou ne bénis que ce complice immense.
Le cœur déjà s'épuise et vivre recommence;
Le nocturne reflux ne nous joint qu'un instant.

Je ne dis pas c'est lui. Ne dis pas ce fut elle.
Tombe, oubli, noir velours, sur la scène immortelle :
Je n'ai fait cette nuit que céder à Tristan.

(Patrick Loiseleur, Poème I d'après Marguerite Yourcenar, joué par Mathieu Prévot, piano, Olivier Tholliez, clarinette, Patrick Loiseleur, alto)

Est-ce qu'on va jouer du Loiseleur cette année ? C'est la question que m'ont posé certains musiciens de l'orchestre Ut Cinquième au début du stage d'orchestre. L'an dernier nous avions joué un arrangement de Debussy (la fille aux cheveux de lin), et en 2007 ma toute première pièce pour orchestre, simplement intitulée Adagio.

Cette année, n'ayant pas de pièce pour orchestre symphonique toute prête, j'ai ré-orchestré une de mes Petites Fanfares Célestes (écrites pour un ensemble de trompettes et trombones) pour un orchestre avec bois par deux, c'est à dire deux flûtes, deux hautbois, deux clarinettes, deux bassons, et le quintette à cordes habituel. C'est un choral d'une facture assez simple, basé sur des harmonies tonales, même si en tendant l'oreille, vous entendrez des accords à 5 ou 6 sons qui ne sont pas vraiment répertoriés dans les manuels d'harmonie scolaires et font plutôt penser à Messiaen ou Dutilleux. Toute la pièce reste dans la nuances piano et dans des phrasés très legato qui peuvent donner une certaine impression de monotonie si on l'écoute isolée, mais qui sont destinés à former un contraste avec les pièces qui précèdent et qui suivent.

Même si le résultat n'est pas tout à fait irréprochable car c'est une pièce très délicate à jouer malgré son apparente simplicité, il me faut remercier particulièrement mes amis d'Ut Cinquième sous la direction de Rondy Torrès qui ont cherché et obtenu un son assez rond et très doux avec une tout petit effectif: par moments, on pourrait penser aux tuyaux de bois d'un orgue plutôt qu'à un orchestre, ce qui était exactement l'effet recherché.

La partition devrait être disponible d'ici un jour ou deux sur le site SibeliusMusic

Reste à savoir comment sonne la version pour ensemble de cuivres: pour cela il faudra attendre le mois de juin lorsque l'ensemble KABrass sous la direction de Xavier Saumon créera mes Petites Fanfares Célestes dans leur version originale.