Le journal de papageno

J'ai pu assister ce soit à la projection en avant-première d'un film consacré par Vincent Bataillon au Quatuor à cordes d'Henri Dutilleux, interprété par le Quatuor Rosamonde. Je vous renvoie à la filmographie de Vincent Bataillon sur IMDB: il suffit de dire ici qu'il a pratiqué le violoncelle dans sa folle jeunesse et réalisé moult captations de concerts, festivals et opéras.

Comme nous le rappelle Xavier Gagnepain, violoncelliste du quatuor Rosamunde, avant la projection, le quatuor Ainsi laNuit, écrit en 1976 pour les Juilliard, a connu un succès immédiat et durable car depuis cette date il a été enregistré plus de 25 fois au disque. Tout en s'inscrivant dans une certaine tradition française (l'héritage debussyste étant revendiqué sans ambages par Dutilleux lui-même), c'est une oeuvre très personnelle. Mystère, poésie, profondeur, clarté: on est bien en peine d'arriver à exprimer avec de simples mots les émotions subtiles et profondes que ce quatuor suscite en nous. Parvenue au bout de son sac à mots, la violoniste Agnès Sulem conclut simplement par "et puis il y a ... l'inexprimable".

Faute de parler de l'inexprimable, j'évoquerai plus simplement le travail de la caméra, qui nous invite dans le jardin de Monsieur Dutilleux au bord de la Loire, et nous fait partager l'intimité des musiciens tout en restant infiniment respectueuse. Ainsi que le travail admirable des Rosamonde qui ont peaufiné leur interprétation pendant des années, ciselé chaque phrase avec une patience de bénédictins.

Ce film d'une heure à peine mérite certainement d'être vu et contribuera sans doute à inviter davantage de personnes dans l'univers de Dutilleux, dont il faut écouter la musique bien plus d'une fois pour l'apprécier vraiment. C'est aussi un témoignage très émouvant de la relation du compositeur et des interprètes. Il devrait être diffusé dans les mois qui viennent sur la télévision publique et en DVD. J'en retiens pour ma part une petite phrase d'Henri Dutilleux: "les oeuvres que je regrette le moins sont celles où j'ai pris le plus de risques". Prendre des risques signifie pour le compositeur chercher à aller au-delà de ce que l'on sait déjà faire. Rétrospectivement, ce qui est certain est qu'il n'y a pas grand-chose à regretter dans une oeuvre telle que'Ainsi la nuit.

J'ai déjà évoqué cet arrangement des Nuits d'été d'Hector Berlioz pour voix, piano, violon et violoncelle. Il existe en deux versions: voix haute (soprano ou ténor) et voix moyenne. Pour chaque version j'ai en outre posté en ligne une partie de violon et une partie de violoncelle où la ligne de chant est reproduite pour faciliter la mise en place. Les partitions sont disponibles sur le site de Tamino productions, en PDF ou en version papier. L'hébergeur actuel de ce site (qui assure également l'impression à la demande et l'envoi des partitions papier) ne permet malheureusement pas de regrouper plusieurs partitions ensemble, j'ai donc dû poster au total six partitions distinctes.

Pour voix haute (soprano ou ténor):

• Les Nuits d'été pour voix haute, piano, violon, violoncelle (partition complète)
• Les Nuits d'été pour voix haute, piano, violon, violoncelle -- partie séparée 1 (VIOLON)
• Les Nuits d'été pour voix haute, piano, violon, violoncelle -- partie séparée 2 (VIOLONCELLE)

• Les Nuits d'été pour voix moyenne, piano, violon, violoncelle (partition complète)
• Les Nuits d'été pour voix moyenne, piano, violon, violoncelle -- partie séparée 1 (VIOLON)
• Les Nuits d'été pour voix moyenne, piano, violon, violoncelle -- partie séparée 2 (VIOLONCELLE)

Voici comme promis la solution de notre jeu avec Jean-Sebastien.

Jürgen Schmidt-Bach, le professeur Tournimbus et moi-même tenons à remercier tous ceux qui ont participé au jeu, et à féliciter ceux qui ont trouvé la bonne réponse. La première pièce est (transposée d'une quinte vers le bas) la première partie du Presto de la Sonate n°1 en sol mineur (BWV 1001) de Jean-Sébastien Bach. La deuxième est extraite de ma Suite en ré mineur pour alto seul, que j'ai écrite en juin dernier. La préparation des examens d'alto me prenait alors l'essentiel de mon temps et m'obligeait à mettre de côté mes projets de composition plus ambitieux. J'ai donc commis ce pastiche en 4 mouvements, pour me divertir et aussi pour parfaire ma connaissance de J-S Bach, car il n'existe pas de meilleur moyen d'étudier un auteur que d'essayer de le pasticher. Le résultat étant fort écoutable et jouable d'après mes amis, je l'ai finalement publié sur le site Tamino Productions. Comme le remarquait l'un des commentateurs du précédent billet, il n'y manque que le génie...

Pour dire vrai j'ai hésité avant de publier ce billet, car le sujet est un peu piégé. Le nombre d'or est en effet brandi comme une sorte de talisman par toutes sortes de charlatans, numérologistes, astro-bullshitologues et autres magnétiseurs de chacras. Et de l'autre côté, les rapports numériques dans la musique de Jean-Sébastien Bach ont eux aussi été amplement analysés, parfois pour y trouver des relations numériques tellement lointaines qu'on peut bien se demander si elles ne sont pas le produit d'un pur hasard. Les gens qui trouvent le nombre d'or partout dans la musique de Bach sont pour moi un peu comme ceux croient avoir 'décodé' une prédiction des attentats du 11 septembre 2001 dans la bible: hautement suspects de quadrapilectomie (art de couper les cheveux en quatre), voire bien pire que cela. C'est ainsi que je recommanderai la lecture de "Bach ou La passion selon Jean-Sébastien: de Luther au nombre d'or" de Guy Marchand uniquement aux adeptes de ces petits jeux  ésotériques.

Cela dit, il ne fait aucun doute que Bach sait jouer avec les nombres et les lettres en musique. Il a écrit une fugue sur le thème musical B-A-C-H (en français si bémol - la - do - si), également utilisé comme signature dans l'Art de la Fugue. La première fugue du Clavier bien tempéré comporte exactement 24 entrées du thème principal: on peut y voir une annonce des 24 préludes et fugues du recueil, même si toutes les fugues classiques comptent une vingtaine d'entrées du thème. On trouve ailleurs des utilisations du nombre 14 = B + A + C+ H = 2 + 1 + 3 + 8 ou encore du nombre 3 dans les cantates consacrées à la Trinité.

Au fait, qu'est-ce que le nombre d'or ? Il y a plusieurs manière de le définir: j'ai choisi celle du rectangle qui est assez parlante intuitivement. Imaginez un rectangle dont le petit côté mesure 1 mètre et le grand côté φ mètres. On veut ajuster φ de manière à ce que si on enlève un carré de 1m x 1m, on obtient un rectangle plus petit mais dont les proportions sont les mêmes. Autrement dit: φ = 1/(1-φ) ou bien φ^2 = φ + 1. En tâtonnant un peu on voit que 8/5 = 1.6 est un peu trop petit tandis que 1.66 = 5/3 est un peu trop grand. La solution est un nombre irrationnel φ = 1.618... . En Grèce ancienne, où les mathématiques étaient surtout basée sur les rapports de nombres entiers, le nombre d'or fascinait au même titre que π ou que la racine de 2 car c'est un nombre irrationnel qui intervient dans une construction géométrique simple. Le nombre d'or est celui des proportions harmonieuses qu'on peut trouver dans la nature, ainsi qu'on peut le voir avec cette très élégante 'spirale de Fibonnacci' qui est construite en itérant plusieurs fois le découpage du rectangle doré que nous avons décrit plus haut:

Construisons maintenant une série dont chaque terme est la somme des deux précédents:

1+1 = 2

1+2 = 3

2+3 =5

3+5 = 8

5+8=13

8+13=21

13+21=34

21+34=55

34+55=89

...

Pour continuer avec les rectangles, chaque addition correspond à la construction d'un rectangle (a+b, a) à partir du rectangle (a,b). Je vous épargne la démonstration (ressortez vos cours de maths de terminale ou cherchez sur Internet au besoin) mais il me paraît intuitif que le rapport entre deux nombres successifs de cette série de Fibonacci tend vers le nombre d'or. De fait on peut vérifier que 89/55=1.618... donne déjà trois décimales exactes.

En voici la preuve par l'oreille: j'ai testé trois variantes où l'on conserve les mêmes notes en les organisant par groupes de 4:

Le résultat est beaucoup plus banal et ennuyeux que le prélude original. Il y manque ces appuis légèrement décalés qui en font tout le charme. Ainsi la note supérieure (mi dans la première mesure) apparaît sur les 5e et 8e doubles croches ce qui peut donner l'impression d'un rythme pointé ("croche pointée double") qui vient ponctuer le flux de doubles croches. Est-ce tout ? Bien sûr que non. Ce prélude comporte 34 mesures (si l'on exclut la mesure finale qui comporte uniquement l'accord d'ut majeur). Or si la basse descend constamment jusqu'à la mesure 21 (fa, IVe degré) avant de remonter vers une pédale de sol (Ve degré) qui amère la conclusion. 34=21+13, les proportions de ce prélude sont aussi parfaites que celles de la Venus de Milo ou que l'homme de Vitruve.

On trouve une structure rythmique similaire dans le Prélude de la première Suite pour violoncelle seul. Bien qu'on ne possède pas d'autographe de ces suites mais seulement une copie de la main d'Anna-Magdalena (copies dont on sait qu'elles ne sont pas toujours très fiables pour certains détails comme les liaisons), on peut considérer la liaison des trois premières notes comme fiable. On retrouve à nouveau une répartition 8 = 3 + 5 qui dynamise le rythme des doubles croches en évitant un débit trop uniforme. Il est important dans cette Allemande de respecter les liaisons. Écoutez pour vous en convaincre la version écrite (3 liées, 5 détachées):

Et une autre version où les notes sont liées par quatre, ce qui est suffisant pour rendre la musique beaucoup plus banale:

Il y aurait bien d'autres choses à dire sur les proportions dans la musique de Bach (et pas seulement la proportion dorée) mais je m'en tiendrais à ces remarques préliminaires. J'espère avoir tout de même montré que l'équilibre parfait des proportions qui crée tout le plaisir à l'oreille apparaît dans bien des situations comme voulu et même calculé par Bach qui plus que tout autre musicien, ne laissait rien au hasard.

Nous reparlerons sans doute dans ce journal nombre d'or qui a été utilisé par bien d'autres musiciens, de Dufay à Bartok et Xenakis. Et qui peut intervenir non seulement dans les proportions rythmiques mais aussi dans l'harmonie.

Entendu ce matin à la radio, les variations de Max Reger sur un thème de Mozart (qu'on peut réécouter sur le site de Radio France ou encore sur le site musicme). La douce voix d'Émilie Munera nous apprend qu'elles ont été composées en 1914 à une époque ou le musicien traversait une grave dépression.

De fait, on l'aurait aisément deviné en écoutant ces variations. Comment une simple orchestration peut changer à ce point le caractère d'un thème ? Car le thème indiqué andante grazioso de la sonate K331 de Mozart, qu'on peut écouter un peu partout, sur youtube par exemple, à condition d'éviter la version de Glenn Gould, un peu trop maniérée à mon goût, ce thème, s'il est un peu rêveur et suspendu à on ne sait quoi d'inexprimable, n'est pas particulièrement mélancolique en soi.

L'orchestration de Reger, par de petits détails comme l'usage du hautbois, en fait une cavatine funèbre, dont la couleur sonore me fait davantage penser au requiem de Fauré, dont ces variations sont contemporaines, qu'à la sonate pour pianoforte dont elle est issue. Les variations ont chacune leur caractère, mais ne sont pas aussi mélancolique, sauf peut-être la huitième. La dernière variation est une fugue qui dure près de dix minutes !

Une preuve supplémentaire, si elle était nécessaire, qu'une orchestration est une ré-écriture, et qu'elle peut avoir sa propre personnalité. Au passage merci à France Musique de nous faire re-découvrir une oeuvre peu connue et dont on ne voit pas pourquoi on la jouerait moins souvent que les variations de Brahms sur un thème de Haydn.

Nous avions brièvement parlé de l'opéra Hypermusic prologue d'Hector Parra (dont une vidéo est disponible ici) dans ce journal. Le blog de l'éditeur Sibelius publie un court extrait de la partition manuscrite ainsi que la partition éditée. Comme indiqué en tête de la page c'est un passage "microsopique" mais "flamboyant".

Un peu comme les mouvements en apparence frénétiques et désordonnés des particules observés par Robert Brown (inventeur du mouvement brownien) expriment en fait la beauté et l'harmonie immuable de la Nature, les col legno, glissandos d'harmoniques et autres molto écrasé qui constellent cette page ne sont que les particules élémentaires d'une texture musicale macro-cosmogonique et immobile dans sa transcendance astro-psychédélique. Simple, non ?

Piqué dans leur dernier album des schtroumpfs (Schtroumpf les bains, éditions le lombard) qui voit les petits êtres bleus goûter aux joies et aux malheurs du tourisme, ces deux allusions à un poème célébrissime:

Comme le signale une note de bas de page, toute ressemblance à un poème existant serait purement schtroumpf.

Outre le fait que les schtroumpfs vont en vacances au bord d'un lac, ce qui rendait l'allusion au Lac de Lamartine quasi obligée, il est intéressant de noter que la poésie de Lamartine est assimilée à la poésie tout court. Plus que tout autre (et avant tous les autres) il a incarné cette poésie romantique qui rêve de se substituer à la musique, et, comme la musique, d'exprimer les sentiments les plus intimes et les plus élevés de la façon la plus directe qui soit. Les accusations de mièvrerie, de fadeur, voire même de franche hypocrisie (pensez au sinistre personnage de Canalis dans la Comédie humaine de Balzac) qu'on lui a porté par la suite n'ont fait que renforcer ce statut privilégié de la poésie romantique. A tel point que pour la plupart des gens poésie est synonyme de poésie romantique et qu'on emploie souvent l'adjectif poétique comme un synonyme de romantique ou même de beau ou encore émouvant ce qui permet d'appeler poétiques des choses qui n'ont pas de lien direct avec la littérature (personnes, paysages, oeuvres d'art). Mais comme cette poésie-là prétend venir directement du coeur (et par conséquent n'user d'aucun artifice et n'être pas le produit d'un travail d'écriture) et englober la totalité du monde, à travers la capacité de notre coeur à entrer en résonance avec lui, cela n'a rien d'incohérent.

Il y eut un certain nombre de tentatives de mise en musique du Lac, la plupart contemporaines de Lamartine, mais aucune qui soit pleinement convaincante. Cette poésie porte une telle musicalité dans le texte lui-même qu'on peine à lui apporter quelque chose de plus par la musique. Une musique trop fluide ou discrète n'apporterait rien au texte, tandis qu'une musique plus audacieuse pourrait se trouver en porte-à-faux avec les sentiments exprimés. Un vrai casse-tête ! Finalement la mise en musique la plus convaincante de la poésie de Lamartine se trouve peut-être chez Liszt, qui dans ses Harmonies poétiques et religieuses, cycle de pièces pour piano seul qui comporte des chefs-d'œuvres absolus comme Funérailles, Bénédiction de Dieu dans la solitude et Pensées des Morts, a placé de longs extraits des poèmes de Lamartine dont il s'est inspiré en tête de chaque pièce. L'idéal en concert (ou pourquoi pas au disque) étant d'avoir un récitant pour déclamer les vers avant que la musique commence. Ainsi pour l'Invocation qui ouvre le cycle et qui termine ce billet:

Élevez-vous, voix de mon âme
Avec l'aurore, avec la nuit !
Élancez-vous comme la flamme,
Répandez-vous comme le bruit !
Flottez sur l'aile des nuages,
Mêlez-vous aux vents, aux orages,
Au tonnerre, au fracas des flots;
L'homme en vain ferme sa paupière;
L'hymne éternel de la prière
Trouvera partout des échos !

Élevez-vous dans le silence
A l'heure où dans l'ombre du soir
La lampe des nuits se balance,
Quand le prêtre éteint l'encensoir;
Élevez-vous au bord des ondes
Dans ces solitudes profondes
Où Dieu se révèle à la foi !
Chantez dans mes heures funèbres :
Amour, il n'est point de ténèbres,
Point de solitude avec toi !

Le compositeur du jour est une compositrice: Armande de Polignac (1876-1962). C'était une élève de Vincent d'Indy et la nièce de la célèbre Princesse de Polignac, célèbre mécène qui a soutenu Ravel, Stravinski, Milhaud et bien d'autres.

Pour sa biographie, je vous renvoie au livre Les compositrices en France au XIXe siècle de Florence Launay chez Fayard. Sa musique est quasiment introuvable dans le circuit commercial. Seules deux mélodies sont éditées chez Eschig (Rêverie et Soir au jardin). Aucun disque. Bref c'est la femme invisible, ou plutôt inaudible.

C'est donc une oeuvre rarissime que je vous propose de découvrir. Écoutons ensemble le Héron Blanc, paroles de Franz Toussaint d'après Li-Tai-Po (poète chinois du 8è siècle), tiré du recueil La flûte de jade, chanté par L'Oiseleur des Longchamps accompagné par Mary Siciliano, en concert le 27 mai 2009:

Ce grand flocon de neige était un héron,
qui vient de se poser sur le lac bleu.
Immobile á l'extrémité d'un banc de sable,
le héron blanc regarde l'Hiver.

Vous avez certainement entendu le subtil usage des dissonances dans cette pièce, ainsi que la façon dont L'Oiseleur des Longchamps pousse sa voix dans le pianissimo, aux limites de la rupture... certains critiques parlent de "prise de risque", je préfère le mot d'engagement, car il exprime bien le fait que les risques qui sont pris n'ont rien de gratuit mais sont au service de l'expression.

Il ne me reste qu'à remercier chaleureusement les artistes de m'avoir permis de découvrir Armande de Polignac d'abord et ensuite de publier cette pièce dans ce journal. J'ai entendu parler d'un projet de disque. Puisse les mânes capricieuses qui tissent les fils du destin en permettre la réalisation !

Peut-on écrire un concerto pour piano qui ne ressemble pas à un machin post-romantique dans le style de Rachmaninoff ? Le genre du concerto pour piano et l'instrument (le piano à queue de concert) sont-ils irrémédiablement lié au style romantique ?

A écouter le concerto de Karol Beffa, on pourrait se poser la question:

En écoutant celui de Pekka-Salonen, on aurait envie de répondre par la négative, même si le doute subsiste par instants:

Notons d'ailleurs que cette musique que certains considéreront avec mépris comme néo-tonale est fortement attaquée et vilipendée comme "atonale" par certains commentateurs sur YouTube. Il est vraiment devenu si difficile pour un compositeur de contenter le public ou la critique aujourd'hui qu'il vaut mieux y renoncer complètement par avance..

A regarder et écouter sur le blog d'Alex Ross: le manuscript de la musique écrite par Bernard Herrmann pour le film Psycho d'Alfred Hitchcock, dont la fameuse scène du meurtre. C'est tellement beau, on dirait du Penderecki première période.